Одеть актёра в «жизненные вещи»: эволюция профессии «художник по костюмам» в кино

От работника уличного театра до одного из главных специалистов в создании современного фильма.

Первым в мире фильмом принято считать «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сиоты» 1895 года. Картина, снятая и показанная братьями Люмьер, положила начало эпохи кинематографа. Тогда никто не догадывался, во что со временем вырастет это искусство и сколько новых профессий благодаря нему появится.

Художника по костюмам в сфере кино долго не существовало. Подбором одежды для героев кино и театра занимались либо сами актёры, либо сценические декораторы. Однако сегодня невозможно представить производство фильма без участия команды художника по костюмам. Во многом работа этих специалистов определяет успех картины.

Первые костюмы, которые позже перебрались в кино, появились в театре. Психолог и режиссёр Леонид Улановский в книге «Две трансформации. Психология актёра и театральный костюм» пишет, что первые сценические костюмы возникли в древней Греции. Именно в них, а не в декорациях, заключался зрелищный интерес. Маски и костюмы подчёркивали и увеличивали фигуры исполнителей.

Костюм актёра состоял из двух характерных для древнего грека одежд: нательного хитона и плаща, но по цвету и покрою они сильно отличались от бытового костюма. Цвет считался характерной приметой роли: цари носили красное, несчастные – синее с чёрным.

Созданием масок и другого реквизита занимались люди, которых называли skeuopoios, или создатель реквизита. Маски играли важную роль в костюмах древних греков, так как именно они выражали состояние героя. Трагический актёр не смог бы показать такую эмоцию, если бы не его маска со страдальчески открытым ртом и огромными провалами глаз.

Позднее, в 4 веке до нашей эры, костюмы актёров стали более близкими к жизни. В комедиях Менандра (древнегреческий комедиограф) появились персонажи, которые отличались большой подвижностью, а потому костюм трансформировался в трико, рубаху и плащ — они не сковывали движений. Также появились индивидуальные маски для актёров — их один человек менял с каждой новой ролью.

В 3 и 2 веках до нашей эры театр пришёл в Рим. Костюмы для сцены создавались по образцу греческих, но отличались пышностью: пурпурные ткани, украшенные серебром одежды. Маски перестали играть важнейшую роль, в некоторых спектаклях от них отказывались.

В Средневековье участниками театра были священнослужители, которые оставались в традиционных одеждах. Постепенно из церкви они вышли на улицы, служители церкви сменились на горожан, а костюмы разделились на бытовые и фантастические. Бытовые олицетворяли местных жителей: торговцев и мастеров, фантастические — ведьм, ангелов и других вымышленных персонажей. За костюмы отвечали гильдии ремесленников.

В эпоху Ренессанса появился новый театр. Он стал наиболее похожим на театр нашего времени: здесь зародились многоярусные ложи, ряды кресел в партере, рампа и занавес. Одной из особенностей нового театра стали профессиональные актёры. Кроме того, за декорации и костюмы отвечал один человек, который выполнял роль сразу и художника, и архитектора, и декоратора. Участие в создании оформления театральных сцен принимали и выдающиеся личности, в том числе Леонардо да Винчи. Костюмы того времени отличались крайней пышностью. Порой они специально демонстрировались зрителям перед спектаклем.

В 17 веке, в эпоху барокко, костюмы стали эмоциональными и экспрессивными. За создание нарядов отвечали известные художники того времени, например, Даниэль Рабель. Он проектировал костюмы для балетов-бурлесков и до своей смерти был официальным сценографом придворных театров и балетов. Правитель Франции Людовик 14 закрепил за собой двух художников, которые создавали костюмы для королевского театра, — Анри Жиссе и Жана Берена. Модели, созданные ими из роскошных тканей, выставлялись на маскарадах, которые любили король, придворные и представители других держав.

18 век ознаменовал конец аристократической моды, провозгласил новые идеи в области искусства костюма, приблизив его к античному идеалу. А в 19 веке появился романтизм, в основе которого лежало столкновение личности нового времени с не поддающейся изменению общественной средой. Женщины стали носить корсеты, шляпы; рукава и юбки платьев приобрели форму колокола. Мужчины продолжали носить светлые брюки, а сверху — тёмный жилет или фрак. Профессии «художник по костюмам» как таковой до сих пор не существовало, но всё изменилось с появлением кино.

Годом рождения кинематографа считают 1895 год. Тогда братья Люмьер представили публике свой документальный короткометражный фильм «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сиоты». В 1896-1897 годах публичные демонстрации короткометражных фильмов прошли во всех столицах мира, а в начале своего развития кино многое заимствовало у театра и живописи. Фильм «Песнь про купца Калашникова» 1909 года копировал композиционные приёмы картин Васнецова, а картины с военными сценами нередко цитировали живопись Верещагина. Костюмы для героев также создавались на основе тех изображений, которые в живописи считались историческими.

Долгое время киностудии не имели специалистов по костюмам. Обязанность обеспечить достоверность облика героя лежала на самих актёрах: те брали костюмы напрокат в театральных мастерских. Однако позже грим и костюмы перестали устраивать режиссёров, так как образ должен был получаться достоверным и реалистичным. На съёмочных площадках появились костюмеры, а затем и художники по костюмам, которые продумывали внешний облик персонажа.

Большую роль в развитии кинематографического костюма сыграли фильмы Евгения Бауэра (русский режиссёр немого кино), который ранее работал театральным художником. Костюм в его картинах становился средством выражения всего богатства эмоциональных оттенков сюжета. В его фильмах получили популярность звёзды дореволюционного немого кино — Вера Холодная и Вера Каралли. Они занимались танцами и балетом, а их костюмы подчёркивали хрупкость и одновременно земную женственность и отражали характеры героинь.

Наибольшее развитие профессия «художник по костюмам» получила в 1920 году. Тогда в кино пришла целая плеяда специалистов, которые сделали кинообраз достоверным.

Аналогичные подходы к подбору кинокостюма использовались и в 1930-е, и в начале 1940-х годов. Когда в 1930-е годы фильм обрёл звук, многие решили, что великое искусство передавать мысль через образы, движения и монтаж скоро исчезнет. Но звуковое кино стало новым рубежом поиска форм изобразительной выразительности фильма. Кинематограф 1960-х годов развивал уже сложившиеся традиции, дополняя их новыми приёмами.

С годами костюм стал неотъемлемым элементом кинообраза. Он выполняет две важные задачи: поддерживает повествовательную канву, создавая достоверный образ персонажа, а также служит композиционным целям и уравновешивает кадр с помощью цвета и текстур.

Художник по костюмам — человек, который проектирует одежду для героев кино и театра. Он умеет то же, что и традиционный модельер, но должен создавать костюмы, отвечающие требованиям фильма. Кроме того, художник работает вместе с членами съёмочной команды, отвечающими за свет и декорации, для создания полной визуальной картины.

Существует ошибочное предположение, что костюмер и художник по костюмам — это одна и та же профессия. Однако художник по костюмам занимается разработкой образа персонажа, поиском материалов и пошивом костюма, в то время как костюмер отвечает за внешний вид одежды, транспортировку и подгонку по фигуре.

Этапы работы художника по костюмам:

В книге «Профессия: художник по костюмам» Деборы Надулман Лэндис приводятся слова художника по костюмам Дженни Биван, которая создавала одежду для героев фильмов «Король говорит», «Александр», «Шерлок Холмс» и других. Биван поделилась, что перед началом работы она заучивает сценарий наизусть.

По словам Биван, каждая вещь и все предметы амуниции в «Александре» придуманы и созданы её руками, так как ничего подходящего для этого не существовало. Основой для костюмов для «Шерлока Холмса» стали старые фотографии и гравюры художников — Лесли Уорда и Гюстава Доре. При этом большинство образов для этого фильма были готовыми нарядами из костюмного ателье.

Об этапах своей работы в книге Лэндис также рассказала художник по костюмам Ивонн Блейк («Куда приводят мечты», «призраки Гойи», «Там обитают драконы»).

После этого Блейк делает рисунок и раскрашивает его, имитируя текстуру ткани. Если ей кажется, что на бумаге всё выглядит хорошо, значит, дизайн удался.

Художник по костюмам Джоана Джонстон («Кто подставил кролика Роджера», «Форрест Гамп», «Неуязвимый») в книге Лэндис рассказала, что сначала общается с режиссёром, потом создаёт коллажи и затем снова встречается с режиссёром, чтобы обсудить образы.

Джонстон не рисует сама, а работает в паре с художником. После того, как наброски готовы и режиссёр одобрил идею, Джоана приступает к закупке тканей и кройке. При этом она никогда не показывает режиссёру этапы процесса, так как считает, что «костюмы — часть большой головоломки», поэтому их лучше видеть в том контексте, в котором им предстоит «жить» в конечном итоге.

Художник по костюмам Дебора Надулман Лэндис в своей книге рассказала о некоторых сложностях профессии. Одной из них стала нехватка времени на качественную работу.

По словам Лэндис, художники по костюмам сталкиваются с такой проблемой очень часто. Порой актёра утверждают на роль в воскресенье, а в понедельник утром он должен явиться на съёмочную площадку уже одетым и готовым сниматься.

Писательница отмечает, что главное испытание для мастера — составить правдоподобный микс из одежды и сделать так, чтобы никто не узнал, какому бренду принадлежит та или иная вещь. Художник должен исходить из того, что надел бы персонаж фильма в его «реальной жизни». Реальные люди не пользуются услугами стилистов и не покупают всю одежду в одном магазине. При этом некоторые актрисы не соглашаются надевать что-то не от кутюр.

К сложностям профессии Лэндис отнесла и ненормированный рабочий график.

Часто дизайнерам по костюмам платят меньше, чем другим участникам съёмочного процесса. Минимальный гонорар художника, по словам Лэндис, в три раза меньше заработка начинающего художника по декорациям. Увеличение зарплаты в зависимости от опыта работы не предусмотрено. По данным сайта Career Explorer, труд художника по костюмам всё же оплачивается в зависимости от опыта работы. В США начинающий художник получает около 9,5 доллара в час, художник среднего уровня — 12,7 доллара в час, топовый специалист — более 29 долларов в час.

Также художникам по костюмам не принадлежит авторское право на созданные ими эскизы, костюмы и украшения. Поэтому они ничего не получают за копирование своих работ, если те впоследствии используются для изготовления кукол и фигурок супергероев, модных линий одежды и другого.

Художник по костюмам Шэй Канлифф («Обещать — не значит жениться», «Ультиматум Борна», «Все любят китов») в интервью Лэндис рассказала, что за последние десять лет в киноиндустрии произошли значительные изменения, и давление на художников по костюмам усилилось. Многие специалистам приходится отправлять фотографии с примерки студийному руководству и продюсерам, которых они никогда не видели и чья роль в фильме непонятна.

Вмешательство продюсеров в деятельность художников по костюмам подтвердил и художник Марк Бриджес («Восьмая миля», «Ограбление по-итальянски», «Артист»). На его счету несколько фильмов, когда продюсеры позволяли себе вмешиваться в его работу «самым неподобающим образом».

Дебора Надулман Лэндис также отметила, что Американская гильдия режиссёров до сих пор не упоминает художников по костюмам в своём журнале наряду с операторами, художниками по декорациям и режиссёрами монтажа (все они упоминаются в списках создателей фильма).

«Матрица» вышла на экраны в 1999 году. Над костюмами картины работала Ким Баррет, для которой «Матрица» стала третьим фильмом в карьере. Художник по костюмам говорила, что мода беспокоила её в последнюю очередь, она думала только о том, как сделать два противоположных мира реальными и особенными. По словам Баррет, с помощью костюма она хотела показать различие между элегантной, ультра-стильной виртуальной симуляцией внутри пейзажей Матрицы и мрачным «реальным миром» 21 века.

Ким сразу определила, что подсказывать зрителю, в каком мире находятся герои, должен цвет. В реальном мире должен был доминировать синий цвет и отсутствовать зелёный, в то время как в мире Матрицы зелёный основной. Для этого все белые и серые ткани пропустили через ванну с зелёным красителем. К примеру, белые рубашки на агентах Матрицы имели зеленоватый оттенок.

Для Баррет главные герои фильма — Морфеус, Тринити и Нео — были похожи на супергероев, поэтому она хотела создать костюмы, отражающие их сущность.

Главным костюмом, который повлиял на моду начала нулевых, стал костюм Нео. Многие ошибочно предполагают, что пальто героя выполнено из кожи, но в реальности оно сшито из дешёвой шерстяной ткани, которую Баррет купила по три доллара за метр. Этот материал позволял сделать полы пальто плотными, но при этом развевающимися. При его создании художник опиралась на образы японских самураев и китайских воинов 18 века.

О костюме Тринити в сценарии сказано немного — «женщина в чёрной коже». Баррет отмечала, что хотела, чтобы героиня выглядела как «нефтяное пятно». Из-за ограниченного бюджета костюм для Тринити изготовили из ПВХ. Костюм для крупных планов сделали из более плотного материала, а для общих планов и драк — из более дешёвого и эластичного.

Очки для каждого актёра делали на заказ вручную. Так как они отличали индивидуальность героя, их форма и стиль должны были быть уникальны. Баррет обратилась к дизайнеру Ричарду Уолкеру, который изготовил по две-три пары очков на актёра.

Почти сразу после выхода картины в свет на подиумах начали появляться узкие солнечные очки и кожаные плащи. Первым дизайнером, вдохновившимся «Матрицой», стал Джон Гальяно. В коллекции Dior Haute Couture 1999 он представил переосмысленные костюмы Тринити. В 2000 году Гальяно поддержала модельер Вера Вонг, выпустив коллекцию осень-зима 2000, которую посвятила фильму.

В 2017 году на подиумах снова появились образы, копирующие «Матрицу». Возвращение началось с показов Balenciaga и Vetements осень-зима 2017: модельеры представили удлинённые кожаные пальто, объёмные тренчи вместе с солнцезащитными очками. В 2018 году Александр Вэнг представил коллекцию, в которой также читались отсылки к фильму: кожаные платья и юбки, чёрный цвет, узкие очки. Звёзды Ким Кардашьян, Белла и Джиджи Хадид, Кендалл Дженнер, которые задают современную моду, стали чаще появляться в образах а-ля Тринити.

Причин возвращения такого стиля на подиумы может быть несколько: во-первых, выросли модельеры, которые с детства знакомы с «Матрицей». Во-вторых, в 2019 году фильму исполнилось 20 лет, так что некоторые могли приурочить выпуск коллекции к юбилею картины. Кроме того, в прошлом году анонсировали выход четвёртой части «Матрицы», что тоже могло вдохновить модельеров на создание одежды в стиле Нео.

Ким Баррет назвала другую причину возвращения костюмов из фильма на подиумы.

В начале 2020 года Баррет заявила, что хаос, представший в «Матрице», происходит и в реальности. Она нашла параллели с фильмом в виде климатического кризиса в реальной жизни.

Первый сезон сериала «Игра престолов», основанный на цикле романов Джорджа Мартина, вышел на экраны в 2011 году. За время выхода проект стал одним из самых крупнобюджетных на современном американском телевидении и самым дорогостоящим в жанре фэнтези. На протяжении нескольких лет с актёрами сериала работала художник по костюмам Мишель Клэптон: обычно на подготовку к сериалу уходило 12 недель.

По словам Клэптон, испортить готовый костюм для большей достоверности можно любым способом, но нужно учитывать обстановку, в которой он мог износиться или порваться. Если герои сражаются или дерутся — это одна история, если они в ходе пути могут упасть и удариться о камень — другая.

За время выхода сериала фанаты не раз обсуждали костюмы и причёски героев, которые менялись от сезона к сезону. Клэптон отмечала, что образы и детали символизируют внутренние изменения персонажа и намекают на дальнейшие сюжетные действия. Мишель упомянула костюм Сансы Старк, который она носит в седьмом сезоне. «Точность каждой пряжки, симметрия, прошивка на ткани... Это должно было олицетворять идею, что никто снова не возьмет её в свои руки, что она не оставит ничего на волю случая».

На разработку некоторых костюмов потребовался не один месяц, в том числе на создание белой шубы Дейенерис Таргариен в финальном сезоне.

Клэптон также рассказала о трудностях изготовления масок для героев движения Сыны Гарпии. По её словам, они должны были получиться такими, словно их сделали вручную. Сначала маски напечатали на 3D-принтере, а затем шлифовали, резали, ломали и красили. После этого Клэптон добавила к ним сетку на глаза и ткань под маску в виде капюшона, чтобы не было видно даже голову персонажа.

Некоторые же детали костюмов напротив изготовили в очень короткий срок. Например, в начале съёмок за основу накидок для Ночного дозора взяли коврики из Ikea. Клэптон рассказала, что тогда у сериала был небольшой бюджет, и никто не знал, получится ли из «Игры престолов» что-то стоящее.

Позже Ikea выпустила инструкцию, как сделать из коврика меховую накидку, как у героев сериала.

Художником по костюмам фильма «Чёрная пантера», который вышел на экраны в октябре 2018 года, стала Рут Картер. За свою работу она получила премию «Оскар». Картер черпала вдохновение в культуре африканских племён Туркана и Масаи: её команда скупала необходимые ткани и украшения по всему свету. Картер создала для фильма костюмы, объединяющие в себе традиционную африканскую культуру и футуристичность.

Для королевы Рамонды (Анджела Бассет), Картер изготовила короны на основе реально существующих головных уборов зулусов. Шляпу для героини, как и её мантию, распечатали на 3D-принтере, поскольку их трудно было сделать идеально симметричными вручную. На разработку нужного костюма королевы Рамонды команда Картер потратила шесть месяцев.

В костюм короля Ваканды (Чёрной пантеры), который был знаком многим по комиксам, Картер добавила узор в виде маленьких треугольников, так как, по её словам, треугольник — это «священная геометрия Африки».

Герой В’Каби в фильме одет в переосмысленную версию одеяла, которое носят жители африканской страны Лесото. Костюмы для женской гвардии Дора Миладже сшили, вдохновившись нарядами племени Масаи. Кожаные ремни, которые обрамляют верхнюю часть костюма воинов, изготовили мастера из Южной Африки.

Помимо того, что костюмы должны были быть привлекательными и отражать африканскую культуру, их также требовалось сделать удобными, чтобы те не сковывали движения актёров во время трюков. По словам Картер, сделать наряды более подвижными было нелегко. По ходу съёмок костюмы часто подгоняли и переделывали.

После получения премии «Оскар» за свою работу Картер сказала, что помочь в получении награды ей помогло совмещение традиционных и современных способов создания костюмов, в том числе использование 3D-печати.

Мировая премьера фильма о британской рок-группе Queen состоялась в октябре 2018 года. Съёмки стартовали почти за год до этого — в сентябре 2017-го. Художником по костюмам картины стал Джулиан Дэй, который также работал над образами для героев фильмов «Гонка» и «Рокетмен».

Так как многие зрители видели одежду участников Queen по телевизору, Дэй хотел создать для героев костюмы, максимально приближённые к реальности. Всего в ходе работы над фильмом его команда подготовила около 100 нарядов. Чтобы сделать одежду более достоверной, Дэй консультировался с участниками группы Queen. А гитарист Брайан Мэй подарил художнику несколько вещей из своего гардероба, которые тот использовал для создания образа самого Мэя.

В фильме также есть сцены знаковых концертов Queen, в которых Рами Малек в образе Меркьюри предстал в необычных костюмах вроде комбинезона арлекина или в разлетающемся топе.

При изготовлении последнего Джулиан Дэй советовался с модельером Зандрой Роудс, которая создала оригинальный топ для Меркьюри.

Однако больше всего сил потратили на создание казалось бы простого костюма для финальной сцены — белой майки и голубых джинс Меркьюри.

Статья создана участником Лиги авторов. О том, как она работает и как туда вступить, говорится в этом материале.

#кино #лонгриды #лигаавторов #искусство #творчество